¿Qué es el Cut Out Digital?

Cut Out o “Animación de recortes”, es una técnica bastante antigua de animación que consiste en dibujar un personaje, recortarlo por su silueta y luego dividir sus extremidades en partes y clavarlas o coserlas para generar las articulaciones. Quedan marionetas que solo pueden mostrar una faceta debido a su caracter bidimensional. Por lo tanto si tenemos un personaje de perfil y queremos que se vea de frente, vamos a tener que dibujarlo de nuevo para hacer otra marioneta.

Podemos mencionar antecedentes previos a la invención del cine como, en oriente, el teatro de sombras chinas o wayang, 

y en occidente la linterna mágica de Émile Reynaud entre otros espectáculos y juguetes ópticos de los cuales existen registros desde el siglo XVII. 

Desde la invención del cine uno de los pioneros en utilizar esta técnica fue

Quirino Cristiani, animador argentino que realizó el primer largometraje animado del mundo (del cual lamentablemente no se conserva ninguna copia). Quirino usaba recortes de cartulina negra dibujadas con lineas blancas que, una vez rebeladas (y debido a la inversión en negativo de la película) quedaban como si fueran dibujos de linea negra en papel blanco.

Quirino combinaba esta técnica con el intercambio de otros dibujos para modificar expresiones y formas en los objetos.

Quien llevó la técnica de animación de siluetas con cartulina a su máxima expresión artística fue Lotte Reiniger.

Actualmente se adaptó esa técnica para reailzar animación con personajes mediante el uso de software que funcionan mediante el uso de capas como Flash y  After Effects.

La serie South Park encarna la transición del Cut Out artesanal al digital, ya que su primer capítulo fue realizado con recortes de cartulina para luego pasar a animarse el resto de la serie en forma digital pero manteniendo la misma estética que en su versión anterior.

Temporada 01 Cap 01 (Artesanal):

http://www.southparkstudios.com/full-episodes/s01e01-cartman-gets-an-anal-probe

Temporada 10 Cap 01 (digital):

http://www.southparkstudios.com/full-episodes/s10e01-the-return-of-chef

La técnica tradicional de animación con recorte de cartulina se hace igual que en stop motion fotografiando cuadro por cuadro, siempre hacia adelante (de hecho se la puede mencionar como una variante de la técnica stop motion) . En el caso de la animación Cut Out Digital es diferente. La técnica se parece más a la animación tradicional por extremos ya que lo que se hace no es mover las partes del cuerpo cuadro a cuadro sino ubicar las posiciones del personaje en puntos clave en el tiempo, y la computadora se encarga de calcular, mediante una ecuación matemática, las posiciones intermedias.

Por ejemplo, si un auto tiene que dirigirse del punto A al punto B en 5 segundos, ubicamos el auto en la posición A en el segundo 00 y luego en la posición B en el segundo 05.  Este proceso se llama interpolación.

Esto combinado con la posibilidad de “anclar” un objeto a otro en función de un eje de rotación nos permite armar el personaje como si estuviéramos cosiendo las extremidades una a otra.

En este video podemos observar un ejemplo de animación Cut Out con el software de adobe After Effects.

 Este tipo de animación (como toda técnica digital) permite un trabajo en profundidad ya que siempre se le pueden agregar más detalles una vez animado el movimiento principal. Además permite mejorar el trabajo por prueba y error, cosa que no se puede en Stop Motion ya que si algo sale mal la toma debe realizarse nuevamente en forma íntegra.

Podemos ver la técnica Cut Out digital esta serie argentina: Samba va al Cabildo.

Gracias a la digitalización de las imágenes es sencillo modificar la escala de los objetos para realizar el efecto “Estirar y contraer” (Squash and Stretch) de la animacion de estilo Cartoon.

Al Cut Out digital realizado en After Effects se le pueden agregar iluminación y una separación entre capas que simula perspectiva y profundidad, generando una especie de caja iluminada en donde cada personaje y objeto se distancia de los demás. Esta técnica es conocida popularmente como 2.5D ya que combina la animación de objetos planos (2D) con un espacio tridimensional (3D). En consecuencia se le pueden agregar movimientos de cámara más complejos y generar ambientaciones mediante la iluminación además de una infinidad de efectos.

videoclip Habana de Orishas

Links copados:

Tutorial bastante completo sobre como hacer una animación mediante esta técnica (en ingles) http://www.sketchypictures.com/tag/make-cartoon-in-ae/

páginas del museo de cine de Italia (Torino)

http://www.museocinema.it/collezioni/LanternaMagica.aspx

http://www.lemacchinedellameraviglia.it

Apuntes sobre Animación en América Latina

Animación en américa latina

Estas notas fueron tomadas para dar una clase sobre Animación Latinoamericana en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Están un poco desordenadas, pero espero que sean de utilidad.

Principales creadores del dibujo animado en América Latina: Hay buen material en Revista miradas: http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=406&Itemid=81

Argentina

Pioneros.

Ver en libro “Breve historia del dibujo animado en la argentina” de Raúl Manrupe, Ed. Libros del Rojas.

Quirino Cristiani: http://www.cineanimado.com/revista/?p=97

www.quirinocristiani.com.ar

Dante Quinterno

García Ferré

Juan oliva

Iturralde.

Investigadores y difusores:

Caloi.  Programa “Caloi en su Tinta”.

Rodolfo Saenz Valiente. (Escuela de Avellaneda)

Alejandro R. González (Universidad de Córdoba)

Propaganda argentina animada durante la dictadura del 76-83

http://www.youtube.com/watch?v=PlPLHcItxTU&feature=feedlik

Animadores actuales:

Pablo Zaramella www.zaramella.com.ar

http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=678&Itemid=55&lang=es

Animadores de Corto “el empleo” (De La Plata) Santiago Grosso y Patricio Plaza.

Can Can Club.

Mercano, El marciano. De Antin.

http://www.youtube.com/watch?v=L9CR3w9xh6o

Patagonik.

Hook Up- Entrevista exclusiva a Diego Puente

http://www.cineanimado.com/revista/?p=81

Hermanos Nanni

Blog de Silvia http://www.silviananni.blogspot.com/

nota a los dos hnos. Silvia y Miguel http://www.cineanimado.com/revista/?p=58

Entrevista a Diana Córdoba. http://www.cineanimado.com/revista/?p=49

Ubaldo Galuppo Entrevista http://www.cineanimado.com/revista/?p=26

Mordillo http://www.cineanimado.com/revista/?p=13

Caloi en su tinta. www.caloiensutinta.com.ar

Rosario:

Escuela de Pablo Rodiguez Jauregui: http://www.escuelaanimadores.com.ar/

En la pag hay varios libros. Ver textos:

# 40 años de animacion en rosario.doc

# HISTORIA de La animación en Argentina_por Alejandro Gonzalez.doc

#Epa2011 o “Haciendo dibujitos en el fin del mundo – El libro de la Escuela para Animadores”

Luis Bras:

http://www.luisricardobras.blogspot.com/

Colombia, Chile, Perú y Uruguay

Ver http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=402&Itemid=81

Colombia:

La producción de animación colombiana se desarrolló mucho durante los años 60 por el lado de la publicidad.

En 1960, llega al país del francés Robert Rosse y la animación realizada en Colombia vuelve a aparecer. Estilo europeo, es quien forma a los grandes animadores de colombia. En los 70 aparecen los primeros estudios.

-Nelson Ramirez. Gran producción (publicidad)

La influencia es muy externa y no se logra una identidad propia colombiana.

La producción más artística e independiente no es apoyada por el estado, ni por particulares, lo que lleva a que haya poco movimiento.

En los 90 empiezan a producirse series, la mayoría de bajo presupuesto y calidad de animación (debido probablemente a la poca capacitación existente en Colombia) pero de gran tirada. Logrando, sin embargo gran éxito local.

Investigación sobre animación de profes de la U Javeriana: http://www.animamob.com/

Nota sobre animación Experimental en América Latina:

http://www.animamob.com/textos/127-animacion-experimental-en-america-latina.html

Uno de los más prolíficos productores de animación stop motion actual en colombia es Edgar Humberto Álvarez.

http://vimeo.com/plastilinacreativa.

Ricardo Arses hace investigación sobre la animación como patrimonio cultural en Colombia.

http://vimeo.com/15359019

Chile:

- Alfredo Serey dibujó y dirigió en 1921 la primera película animada

- En 1929, el caricaturista y cineasta Jorge “Coke” Délano. realiza “La Calle del Ensueño” Primer largo que incluía animación

Después no hubo mucho, se inicio la filmación de un largometraje en el 73 pero con el golpe de Pinochet se suspendió.

En los 90 Viviene Barry hace cortos infantiles.

pelis de Chilemonos en Anima 2011

http://www.animafestival.com.ar/chilemonos/

Web de chilemonos: http://chilemonos.cl/

# Alejandro Rojas. Película “Ogú y Mampato en Rapa Nui” basado en una historieta de los años 70.

Perú.

Encontré poco.

Peli “Piratas en El Callao” 2004.

Dirección: Eduardo Schuldt.

Mexico:

En mexico la producción fue muy escasa hasta los 90, y en su mayoría eran publicidades. Luego comenzó un boom de la animación independiente creándose grandes obras.

Cortos:

-  Jorge Villalobos y Guillermo Rendón. “4 maneras de tapar un hoyo” 1996. Gana Cannes.

- García Moreno, estudia en praga y dps en la UCLA. Fué jefe de animación y multimedia en canal once de mexico. Despues hace cortos entre 1996 y 2002 con la colaboración de Jorge Villalobos y Guillermo Rendón. Largo es el camino al cielo (1998), Cocktail Molotov (1999) y Catrina Posada y la gran piedra (2001)

- Jorge Ramírez Suárez. Corto “Pronto saldremos del problema”

http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=404&Itemid=81

nota sobre “La revolución de Juan Escopeta” (se mencionan 3 pelis más mexicanas)

http://www.cineanimado.com/revista/?p=631

Hechos revolucionarios en la animación mexicana

http://www.cineanimado.com/revista/?p=568

Recordando a AVA films

http://www.cineanimado.com/revista/?p=283

Doblaje en Mexico:

Entrevista a Marina Huerta (Bart Simpson) http://www.cineanimado.com/revista/?p=744

 Animación mexicana contemporánea

http://www.cineanimado.com/revista/?p=684

 Viu Masters (animación sobre diálogo entre pancho villa y Emiliano zapata):

http://www.viumasters.com/ (ver Xochimilco 1914)

 

Cuba:

Animación cubana, animación de crítica política. Sátira. Y de marcada intención formadora, educativa.

Son llamados Dibujos Animados, Animados y también Muñecos o muñequitos (probablemente por la influencia que tuvo la animación rusa en ellos).

Coordinada por el departamento de animación del ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos). En la década del sesenta fueron sentadas las pautas que han regido la historia de los Estudios de Animación ICAIC. Fueron esos años los que formaron las bases, y de ellos se ha sentido el eco a lo largo de los años que le han precedido.

La animaciones del ICAIC incentivaban la conciencia política, los valores humanos y  la identidad cultural.

Estas temáticas que en los 60 eran el puntapié inicial de un proyecto de promoción de la animación experimental y creativa fue cayendo hacia los 70 en un didactismo que continúa arraigado aún en la mayoría de las producciones “el didactismo se arraigó tanto que, transcurridos treinta años, aún lo tenemos como padecimiento heredado”.

En los 90 hay un resurgimiento del cine animado cubano que retoma las problemáticas de los 60 pero desde una mirada puesta en ese presente.

De: http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=397&Itemid=81

A principios de 1959, en la Agencia Publicitaria Siboney existía un pequeño departamento de dibujos animados, llamado OAP (siguiendo los pasos de la UPA), en el que se realizaban comerciales en blanco y negro para la televisión cubana y algunos países latinoamericanos.

FUA: Era departamento clandestino creado a fines de 1959. Algunos de sus creadores integraron luego el Depto. de Animación del ICAIC.

Se respira en los animados de los sesenta la marcada intención formadora, educativa; lo que transmiten lleva siempre implícita una enseñanza específica, bien delimitada en los terrenos de la conciencia política, los valores humanos, la identidad cultural (caminos más transitados). Es ese espíritu el que pervive hasta la actualidad, es la generalidad, casi la regla, que por supuesto ha tenido afortunadamente sus excepciones.

Diseños que surgieron en el ICAIC durante los 60:

- estilo de la U.P.A

- Ambientes poéticos de los checos y simbolismo polaco.

- pintura de las vanguardias.

 

 

- estilo de la U.P.A (predominio de la síntesis, los trazos ágiles, líneas rectas, personajes de corte geométrico)

De la U.P.A asumieron también la semianimación (anim limitada), que ha sido el estilo utilizado a lo largo de la historia de estos Estudios. Jesús de Armas, fundador y director general del entonces departamento, había vivido durante cuatro meses en Estados Unidos, donde tuvo contacto personal con Sthephen Bosustow, fundador y productor general de los estudios de la U.P.A, quien le expuso los métodos de trabajo basados por encima de todo en la libertad creativa y temática. De  Armas trasladó esta experiencia a los creadores cubanos.

- Ambientes poéticos de los checos y simbolismo polaco,

Jesús de Armas, junto a Pepe Reyes, realizó en 1964 un viaje de estudios a Checoslovaquia y Polonia. En Praga trabajaron con Borivak Novak, director técnico que permaneció algunos meses en Cuba como miembro de una comisión que prestaba asistencia a la industria cinematográfica cubana. Estudiaron los métodos de organización y producción de los Estudios Florence Klarov, donde tuvieron contacto directo con las obras y sus realizadores. Visitaron los Estudios de Marionetas de Praga y Gottwaldow. En Polonia, los Estudios de Dibujos Animados y marionetas, y los Estudios Semafor, dedicados a filmes de marionetas. Seducidos por este tipo de animación, que en Polonia y Checoslovaquia ha tenido resultados muy satisfactorios, quisieron crear, a su regreso a Cuba, un Estudio de Animación de marionetas, lo cual fue imposible, pues resultaba incosteable. No obstante, a principios de los sesenta se hicieron tres filmes con ese estilo: El robo (Octavio Basilio, 1962) La quimbumbia (Miguel Fleitas, 1963) y Walo-Walo (Miguel Fleitas, 1965)

Personaje Negativo:

Se da bastante en los cortos y series Cubanos de animación la temática del personaje negativo, el cual provoca momentos cómicos y enseña a partir de sus propios errores.

Ver Matojo http://vimeo.com/20086688

Influencia Rusa:

En cuba los Dibujitos Rusos eran llamados Muñes o Muñequitos:

http://yanelima.blogspot.com/2010/07/megapost-de-munequitos-rusos.html

ICAIC

Corto de Mario Rivas:

http://www.youtube.com/watch?v=2fyb6gPPuYY

concepto de Director Según el ICAIC. En http://www.cubacine.cult.cu/realizad/index.htm

Directores

Son los responsables principales por el resultado de la obra; al menos, luego de la creación del ICAIC, en 1959, que siempre se rigió por los principios del neorrealismo italiano y de la nueva ola francesa, donde todo se subordina a la voluntad del así llamado autor. En coordinación con el fotógrafo, el productor y el director de arte, principalmente, el director es el encargado de convertir el texto del guión en imágenes que narran una historia, por lo menos así ocurre en el cine de ficción narrativo. Antes de la Revolución, apenas pueden mencionarse un puñado de directores cubanos (Enrique Díaz Quesada y Ramón Peón son los principales), en los años 60 y 70 alcanzaron su cenit con los éxitos internacionales de Santiago Álvarez en el documental, Juan Padrón en el dibujo animado, Tomás Gutiérrez Alea y Humberto Solás en la ficción, por sólo mencionar los más prominentes.

Pagina de los estudios de animación del ICAIC

http://www.cubacine.cult.cu/dibujosanimados/realizadores/index.php?Letra=TODOS

La Cosa – Hernan H.

http://www.youtube.com/watch?v=D1F3mwHg3Bw

Dibujo animado realizado en el Departamento de Dibujos Animados del ICAIC, 1962. La dirección fue realizada por, Harry Reade. La animación fue realizada por, Hernán Henríquez.
El Departamento de Dibujos Animados había sido fundado a partir de enero del 1960, por Jesús de Armas; Eduardo Muñoz; Hernán Henríquez y Pepe Reyes.
Harry Reade, era un caricaturista y cineasta australiano que había llegado a Cuba en el 1960, a incorporarse al proceso político que entonces comenzaba en la isla y de cual él era simpatizante. La Cosa ganó premio en el Festival del Cine de Animación de Londres, 1963

El Maná
1960.

Dirección: Jesús de Armas

Sinopsis:
Marcó la iniciativa de crear un Departamento de Animación perteneciente al recién creado ICAIC, pues aunque no resultó ser la película que inauguró dicho Departamento, sí fue el primer proyecto inciado, el que reunió a los que serían los fundadores. Con una duración de cinco minutos y al estilo de la UPA. este filme trata el tema de la necesidad del trabajo a partir de la historia de un campesino que se sienta a esperar que todo le llegue sin esfuerzo, mientras que sus vecinos trabajan, recogen los frutos y él se queda sin nada. Tanto esta como La Prensa seria, tendrán un marcado carácter político, debido a los acontecimientos por los que transitaba la Nación, y por su contenido, evidentemente, se encuentran dirigidas a un público adulto.

Corto el agua y la higiene:

http://www.youtube.com/watch?v=C13wd0_Dn8E

El Agua y la Higiene”, realizado por Hernán Henríquez, en la década del 70. Hernán, uno de los cuatro fundadores del Departamento de Dibujos Animados, del ICAIC, La Habana, Cuba, en enero del 1960, trabajó en el estudio durante 20 años, como animador y director, hasta el año 1980.

Quinoscopio 1985

http://www.youtube.com/watch?v=MMNMStDMot8&feature=related

Quinoscopios
1985. 6 min.

Argumento: Joaquín Lavado (Quino)
Guión: Juan Padrón
Dirección: Juan Padrón
Autor Musical: Daniel Longres

Sinopsis:
Con el mismo corte de los Filminutos pero utilizando en esta ocasión los chistes y diseños del famoso caricaturista argentino Joaquín Lavado (Quino, creador del personaje Mafalda), Padrón inicia en 1985 la serie de Quinoscopios que ha obtenido un gran éxito nacional e internacional. Tras este éxito el mismo director realiza junto al caricaturista, en 1984, el cuarto largometraje titulado Mafalda. Han obtenido múltiples premios y reconocimientos tanto nacionales como internacionales.

Version de Mafalda de Juan Padrón.

de Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/Mafalda:

” Se han realizado dos series de animación protagonizadas por Mafalda. La primera es una serie de cortos de 90 hasta 260 segundos producida por Daniel Mallo y Oscar Desplats para la television Argentina en 1972…

… en 1994 el realizador cubano Juan Padrón, un amigo cercano de Quino que ya había dirigido la serie “Quinoscopio” entre 1985-87, dirigió una serie 104 cortometrajes de Mafalda recibiendo el apoyo de varias productoras españolas y que fue luego publicado como un largometraje de 80 min de duración.

Es notable la diferencia entre las dos producciones desde el punto de vista cinematográfico: Mientras la primera se apoya principalmente en los diálogos, la segunda elije (…) varias de las tiras en las que Quino transmite el mensaje a través la acción y el gesto de los personajes.

http://www.youtube.com/watch?v=2ZXYuHR_Hks

Cae una gotica de agua (videoclip ICAIC) 2007

http://www.youtube.com/watch?v=boXBur5SOUc

Cae una gotica de agua.
2007. 3 min. CM. Animación. Betacam SP, NTSC. Color. Stereo.

Videoclip animado de música infantil.
Director: Iván Alain Pérez Barrero
Estudios de Animación ICAIC. Cuba

35 videos de animación cubana en Dailymotion:

http://www.dailymotion.com/playlist/xcak0_multicanalALBA_infantil/1#videoId=x8og5c

Una conversación con Hernán Henriquez

http://www.awn.com/mag/issue4.01/4.01pages/zaguryhenriquezsp.php3

otras fuentes:

http://www.ecured.cu/index.php/Dibujo_Animado_en_Cuba

juan padrón. http://www.ecured.cu/index.php/Juan_Padr%C3%B3n

Brasil:

En brasil fue escasa y bastante olvidada la producción de animación en los inicios, asi como poco industrializada. Los primeros cortos fueron realizados por caricaturistas realizadores de tiras cómicas.

Primeros cortos:

“Aventuras de Bille e Bolle” (1915), Fonseca Filho, basado en la tira  Mutt and Jeff de Barré Studios.

Álvaro Marins,  ”O Kaiser” (1917), inspirado en la entrada de Brasil a la Primera Guerra Mundial

En los 40 Humberto Mauro, realiza los primeros cortos con muñecos.

 1952 campañas de salud.

 En 1953 se realiza el primer largo. Fue Sinfonia da Amazônia, de Anélio Latinni Filho, fue el primer largometraje de animación brasileño. tomó seis años de trabajo ya que Anélio Latinni hizo todo.

influencia de las producciones contemporáneas de Walt Disney

Años 60:

Cortos publicitarios, didácticos y experimentales.

Experimentales

1- Surgen animadores destacados pero que además tendrán una continuidad en las producciones animadas. Se fundan el Centro de Estudos de Cinema de Animação, el Centro Experimental de Animação de Ribeirão Preto y el Grupo Fotograma

2- Marca la aparición de notables animadores y también las iniciativas para el crecimiento de la animación publicitaria y de filmes didáctico-educativos.

70

La producción industrial en serie empieza por los años 70 y eran tiras cómicas animadas. Una es la serie Turma da Mônica de Maurício de Souza. Un caricaturista Brasilero muy conocido que creó su propio estudio de animación.

También registra el surgimiento de una vertiente dedicada a la divulgación y la enseñanza de animación como forma de desarrollar en el público infanto-juvenil sus posibilidades artísticas.

En 1971 Álvaro Henriques Gonçalves finaliza “Presente de Natal”. En 1972  Piconzé” dirigido y animado por Ypê Nakashima, que demandó cinco años de trabajo y los fondos fueron compuestos en collage para obtener mayor profundidad.

Se crea Anima Mundi.

Marcos Magalhães,  “Mão Mãe”  1979 y “Meow (1981)” luego crea junto a César Cohelo, Aída Queiroz y Léa Zagury Anima Mundi, festival internacional a partir de 1993 con la cooperación del Centro Cultural Banco do Brasil

Cassiopeia (1996). Realizada digitalmente.

Otto Guerra:

Posee una variada carrera además de su largometraje (“Rocky e Hudson”), publicitarios, institucionales y, entre sus más reconocidos trabajos, ácidas comedias donde introduce culturas de masa o temas infantiles

ver As Cobras – Otto Guerra, José Maia, Lancast Mota 1985 Y “novela” 1992

Hace el largometraje Wood & Stock en 2006

Actualmente está realizando el largo Fuga en Re m que ya lleva 4 años de producción. http://www.woodstock.etc.br/

Fuentes: http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=395&Itemid=81

http://www.hamalweb.com.ar/animacionbrasil.html

 

Festivales:

Anima Córdoba. http://www.animafestival.com.ar/

Loop (Colombia) http://www.loop.la/

Expotoons. Bs As. : http://www.expotoons.com/home11/web/es/index.html

Animamundi. Brasil: www.animamundi.com.br

Ecuador: http://www.animecfest.com

Chile: FIDA: http://www.cine.uchile.cl/fida/

Mexico Cut Out Fest: www.cutoutfest.com

Sincro Labial en After Effects con Time Remapping

Este es un pequeño aporte para todos los animadores que usan After Effects para animar personajes.

Quizás muchos ya lo sabían pero para mi fue un gran hallazgo y me está ahorrando horas de trabajo en lo que es la sincro Labial y la animación de otras cosas que como ojos y manos en AE

Acá va el video que está en ingles:

http://library.creativecow.net/e/611

Lip-Synching for Character Animation

Para los que no casan una de inglés básicamente la idea es:

1_ Hacer una Composición en la que estén todas las bocas posibles de nuestro personaje, cada una en una capa diferente de 1 cuadro de duración. Podemos nombrarla “Boca”

2_ Ordenarlas en secuencia. Para esto seleccionar todas las manos e ir a Animation/Keyframe Asistant/Secuence Layers…  Nos va a quedar una capa en cada segundo de la compo. Y darle a esa compo la duración de acuerdo a la cantidad de capas/cuadros que tiene, es decir, si tengo 5 bocas diferentes, me va a quedar una compo de 5 cuadros de duración. Esto para que después no nos queden cuadros que no tienen nada.

3_Ubicar la Compo de las Bocas en la cara de nuestro personaje (preferentemente donde iría la boca =P ).

4_ Habilitar para la compo “Boca” la opción Time Remap, para esto ir a Layer/Time/Enable Time Remapping y convertir los dos keyframes que aparecen en la susodicha capa a “Hold”. Esto se puede hacer manteniendo Alt derecho y seleccionando el Keyframe en cuestión. Esto es para que la boca elegida se mantenga en el tiempo.

5_estirar toda la Compo de la boca a la duración que necesitemos que la boca se vea. Y listo.

Ahora tenemos una compo con un valor de “time Remap” asignado a cada Boca. O sea, si ponemos 0:00:00:01 en la variable Time Remap veremos la primer boca de la compo, si ponemos 0:00:00:05 en Time Remap veremos la boca n° 5 y así sucesivamente.

Espero q les sirva tanto como a mi.

De yapa les paso un video en el que se explica como hacer una sincro labial en función del audio automáticamente aplicando una expresión.

http://www.video2brain.com/en/embed-video-1452.htm

saludos

Con A de Animación. Revista anual.

“Con A de Animación” es una revista anual de animación en la que se publican interesantes artículos de investigación sobre el género. La revista sale en formato impreso en España, y se la puede seguir en forma virtual en http://conadeanimacion.blogs.upv.es/  Es coordinada por el grupo de investigación  ”Arte e Industria” de la Universidad Politécnica de Valencia y es pionera en cuanto a la investigación académica en animación, alcanzando el nivel de otras publicaciones como animationjournal.com  y journal.animationstudies.org

Los invito a pasarse una vuelta y consultar el primer número!

Gags. Elementos Compositivos o “Choreando a Bergsón”

Un Gag, o gag visual, es una escena que representa una situación cómica, generalmente apoyándose en las acciones físicas de los personajes. Como explica Henri Bergsón en su libro “La Risa” cuando nos reímos de algo hacemos evidente un error, algo que no pertenece a la naturaleza de lo que estamos percibiendo pero que se fuerza por pertenecer. Esta evidencia del error se da cuando a una fuerza (que puede darse en un gesto o acción de un personaje o en una situación del entorno) que representa lo “Natural” se le opone otra “artificial”. En este tironeo por dominarse entre estas dos fuerzas se produce una tensión que puede estallar en un remate sorpresivo o crecer gradualmente hasta su máxima expresión, el cual sería el momento más gracioso.

Un ejemplo sería este video de Chaplin

En donde una situación tan natural para todos como es la de dar de comer, puede volverse artificial al ser efectuada por una máquina. Podemos ver a Charlot (fuerza natural) luchando por encajar en ese sistema de relojería (fuerza artificial) pero sin perder su lado humano (su deseo de comer, o de no comer más).

Cuando animamos un Gag podemos tener en cuenta varios elementos:

> SIMPLEZA. Es el recorte de la acción. Básicamente que nuestro personaje no haga cosas de más. Cada movimiento tiene que estar hecho con claridad y decisión. Un personaje puede ser complejo, pero no por eso complicado de entender. Una profesora de teatro que tuve, Febe Chabez, siempre dice que un artista se mide por el material que descarta. Por eso una vez que tenemos el personaje ideado junto con su accionar, y ya hemos hecho nuestro proceso de prueba y error, es una buena idea tomar la goma de borrar y preguntarnos ¿Qué sobra? ¿Cómo puedo hacer este personaje más simple?

> POSTURA Y GESTO. Definir las posturas. El cuerpo siempre cuenta algo. Si está desorganizado, nos cuenta sobre esa desorganización. No hay una pose neutra, que no cuente nada. Si el personaje está firme en su forma, es más fácil que haga contacto con el espectador. Un buen ejercicio para ver si una postura o gesto es efectiva es probar diferentes poses (dibujándolas, fotografiando o haciéndolas en vivo) y mostrárselas a otras personas. Luego ocultarlas de su vista y pedirles que imiten las que más recuerden. Esas serán las que más funcionen, no necesariamente las que significan algo, sino las que tienen ese poder de quedar impresas en el imaginario.

Ej Madagascar comienzo (show Lex, o cuando llegan a la playa).

> PROGRESION.  Generar una progresión es transformar lo que hago sin cortarlo, buscar fluidez, mantener la continuidad. Según Bergsón una de las formas de lo cómico se da parecido a una bola de nieve que crece progresivamente hasta convertirse en algo aparentemente imparable. En una progresión de la acción una cosa lleva a la otra manteniendo cierta lógica interna. No significa que no haya que hacer movimientos delirantes, o acciones fantásticas, sino que un movimiento debe surgir del anterior y devenir en el siguiente. Si cambiamos demasiado y sin lógica corremos el riesgo de llegar al final sin contar nada concreto.

y otro de yapa

> PAUSAS. La pausa, como el silencio en la música, genera varios efectos: El principal es el de dar importancia a un instante deteniéndolo en el tiempo. Como se menciona en el video de labudinera.com que publiqué en otro post, animar es también transmitir el paso de una posición A a una posición B, para lo cual las posiciones A y B tienen que ser claras y concisas. Pero una pausa en el momento justo también sirve para darle valor a toda la acción o movimiento anterior, ya que con la detención marcamos un final, una separación, cerramos un conjunto. Como lo que ocurriría por ejemplo en un colectivo, cuando un personaje después de transformar su rostro en esfuerzo e inclinar todo su cuerpo hacia un costado para liberar un sordo, el gas estalla en un sutil estruendo dejando al emisor congelado en su sorpresa y al receptor en un gesto que sería mejor no compartir. En tercer lugar la pausa puede acumular una tensión. Esta tensión puede liberarse con el próximo movimiento, generando sorpresa, o usarse para seguir encadenando tensiones hasta el remate final.

Es ejemplar el uso de las pausas en “Poco Yo”

> ANTICIPACIÓN. Es una acción o semiacción previa a la acción que queremos representar y uno de los fundamentos principales de la animación.Siempre es buena para dejar en claro lo que un personaje va a hacer. Asimismo forma parte de la estructura de tensiones posibles para componer un gag. Anticipar de más puede restar ritmo y de menos producir saltos bruscos o falta de comprensión de la acción efectuada.”Goofy” anticipa cada una de sus acciones con majestuosos movimientos:

> REALISMO. Aquí juega su papel la fuerza natural antes mencionada. El costado realista de una animación puede darse en la ilustración, en los movimientos, en algún aspecto de la actuación de un personaje o en el entorno. Esta es la fuerza necesaria para que la aparición de la artificialidad cause gracia. Si un personaje realista como por ejemplo una señora en un shopping camina de una forma que le es ajena, como la de una jirafa por ejemplo, es cuando se produce lo cómico. En animación el control de aspectos como la sensación de peso, fricción y velocidad de un cuerpo definen su realismo.

Este, si bien no se trata de un gag, es un ejemplo del uso del realismo para contrastar y resaltar lo fantástico.

> ACUMULACIÓN. La risa es una fuerza acumulada que se suelta. Bergsón la compara con el payaso de resorte que salta de la caja en el conocido juego de niños. O con una bola de nieve que crece hasta arrasar con todo. La acumulación es la tensión que se suma antes de una acción determinada, puede ser generada con una pausa, con un desacelerar del movimiento o con la suma de varios movimientos encadenados. Un recurso muy utilizado para acumular tensión es la repetición.

> CONTRASTE. El contraste es la diferencia entre dos aspectos, que los define en una relación dialéctica: Uno es en tanto no es como el otro. Si un personaje está quieto en el espacio va a parecer más quieto si hay otro en movimiento, y viceversa, lo mismo si un personaje está triste y el otro serio. El contraste define también la oposición entre las fuerzas antes mencionadas. La fuerza natural se esfuerza por parecer natural en tanto la artificial quiere transformarla en algo diferente.

> MATICES. Como en la música y en la pintura, la expresión de una acción tiene matices, intensidades. Por lo general van de una postura o gesto relativamente estático o neutral hasta las formas más extremas de una postura. La variación entre intensidades durante la progresión de acciones definen el ritmo de una escena.

> REPETICIÓN. La repetición es un recurso útil, tanto para subrayar una acción y que se entienda mejor, o para acumular energía durante el desarrollo de la acción.  La repetición de una acción nunca es un suceso igual al originario, ya la segunda vez que se efectúa hace referencia a la primera y una tercera repetición es definida por la primera y la segunda y así sucesivamente. Dependiendo de la cantidad de veces que una acción se repite puede ser memorizada, esperable o tediosa, y si se incluyen pequeñas variaciones se puede cambiar el significado de la misma.

> REMATE. El Remate es el resultado del estallido de la tensión acumulada. Cierra el gag y resignifica todo lo ocurrido durante el proceso de acumulación, que es el recorrido desde que se dispara el hecho cómico, hasta que estalla en su máxima expresión. Puede ser una acción nueva o la repetición de algo ya visto, pero fuera de lugar, como el palito que cae sobre el platillo después de que una banda de música cae por una interminable escalera.

 > PROBLEMAS. Al buscar la comicidad en un gag es necesario que se entienda cuando el personaje esta en problemas, remarcar su desequilibrio. Si no nos damos cuenta de que está en riesgo no da gracia (riesgo no significa violencia necesariamente). Se puede ver en este trailer de La Era de Hielo.

http://www.youtube.com/watch?v=W4gvxUlGNAs

> MIRADAS. La mirada define la intención del personaje, por eso es importante tener siempre en claro hacia donde mira. Si mira a otro personaje o mira un objeto. Si tiene la mirada perdida en una actitud introspectiva. Si mira al público. La mirada al público incluye a este en la obra, estableciendo una relación entre ambos. No es igual la actitud de un personaje que se sabe observado que la de uno que no sabe que lo están mirando. Esta conciencia puede no ser constante, jugando con la conciencia o inconsciencia momentáneas. Un ejemplo de juego de miradas con el público es Coyote y Correcaminos.

Por otro lado cuando uno o varios personajes miran la acción de otro vuelven su accionar importante. Esto puede demostrarse con el siguiente ejercicio: Párese de repente en lugar público y mire un punto fijo (si está acompañado de un amigo/a que lo imite mejor) y verá como al menos una persona a su alrededor mirará curiosamente hacia ese punto. He aquí la importancia de la mirada.

> ACCIONES SECUNDARIAS. Son las acciones o microacciones que complejizan y enriquecen la actuación de los personajes. Por ejemplo hacer una acción involuntaria con las manos mientras se habla (como juguetear con un lápiz). A veces estas microacciones pueden representar intenciones o estados internos del personaje, en contraste con la acción principal, como alguien que zapatea con un pie mientras hace una acción aparentemente tranquila.

Cuando hay más de un personaje en plano, las acciones de los otros personajes pueden funcionar como secundarias, acompañando o contrastando con el que lleva la acción principal y generar ritmos. En estos casos hay que cuidar que estas acciones no opaquen las del personaje principal.

La Animación como Arte

Buscando acerca de teóricos sobre animación encontramos a Mauricio Durán, un Investigador y profesor Colombiano que nos deleita con una introducción a la historia de la animación experimental, una breve reflexión-manifiesto sobre la imagen en movimiento y su relación con la división de las artes y su evolución histórica desde Platón hasta hoy.

Ver su nota en:

http://www.animamob.com/textos/128-el-cine-es-realidad-a-24-fotogramas-por-segundo.html

Mauricio Durán Busca desarticular la división entre Ficción y Documental proponiendo la Animación como herramienta de exploración.

Comienza con otra antigua división, la de las “artes del espacio” y las “artes del tiempo” descrita por Alexander Gottlieb Baumgartem y Gotthold Ephraim Lessing.

Luego analiza el nacimiento del cine de animación desde sus antecedentes, pasando por las proyecciones en las cavernas, los juguetes ópticos, el nacimiento de la cámara obscura, Daguerrotipo y la linterna mágica y el nacimiento mismo del cine.

Para disfrutarla aún más:

Animaciones con tiza de James Stuart Blackton (1906).

Fantasmagorie (1908) del francés Émile Cohl (1857-1938), considerada la primerpelícula de dibujos animados propiamente dicha.

Gertie el dinosaurio (1914) de Winsor McCay (la música es medio tediosa, se la pueden sacar y no se pierden nada =P)

Ver el hundimiento del Lusitania (1915), una animación basada en hechos reales de Winsor Mccay.

http://www.youtube.com/watch?v=GfOKr5Wj4rU&feature=related

Sinfonía Diagonal de Eggeling (medio embolante pero interesante).

“Tango” de Zbigniew Rybczynki, una resignifación del Loop, sencillamente excelente.

Flora, terrible corto de Jan Svankmajer

Chusmear la muy completa página de Moebius Animación.

http://www.animamob.com/

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• Stop motion behind the scenes – Detrás de las escenas en el Movimiento Detenido. (atropregor.wordpress.com)
• New York and the Dawn of Cartoons: 7 Animation Pioneers (brainpickings.org)
• Animation 100 Years Ago (neatorama.com)

Principios de la Animación Aplicados al Stop Motion

Desde sus comienzos hasta el día de hoy los procesos de trabajo y las investigaciones de los animadores (gran culpa es de Disney) fueron estableciendo determinados “principios”, un conjunto de reglas o herramientas necesarias para que cualquier animación tenga expresión y principalmente se comprenda. Como diría el negro pelado de matrix “algunas reglas pueden torcerse, otras romperse” pero no las podemos romper si no las conocemos. Por eso comparto estos dos videos, cortesía de http://www.labudinera.com/ en donde se explican claramente y en español, los principios fundamentales de la animación:

para saber más sobre los Principios de la animación pueden leer el libro de Rodolfo Sáenz Valiente “Arte y Técnica de la Animación”, en el capítulo Fundamentos de la Animación.